To be or not to be, questo è… un capolavoro

Se non avete ancora visto To be or not to be (Vogliamo vivere), il film di Ernst Lubitsch tornato nelle sale dopo il restauro, fatelo al più presto. E’, semplicemente, un capolavoro assoluto. Sapere che è stato realizzato nel 1942, cioè in piena seconda guerra mondiale, lo rende un’opera d’arte ancora più stupefacente.

La convivenza di tragedia (l’invasione della Polonia da parte della Germania di Hitler) e di commedia è straordinaria, si mantiene in un equilibrio magico dalla prima all’ultima sequenza.

E ci insegna che, di fronte alla violenza e al sopruso, non ci resta che… ridere. Infatti, i cattivi non ridono mai…

Mostre d’arte, una stagione capolavoro

“Ritratto d’uomo” di Antonello da Messina (1475 circa).

Le mostre del periodo primavera-estate ci avevano lasciato un po’ insoddisfatti. In parte perché decurtate e depotenziate dalla sequela di tagli all’investimento culturale (gli enti locali, fra i maggiori organizzatori, sono in ginocchio), in parte per la cattiva abitudine di allestire eventi centrati su alcune opere-esca, ma poi vuote di contenuti o di una ricerca approfondita.

A una prima occhiata, a musei ancora chiusi, la nuova stagione si annuncia assai più promettente. Resta da verificarlo sul campo, ma le premesse sono ottime: Munch, Cezanne, Renoir, Monet, Antonello da Messina, Rodin, il Rinascimento, Donatello, Lippi… In questo articolo su Famigliacristiana.it è possibile vedere una presentazione generale del prossimo ciclo di mostre.

Qui aggiungo una considerazione: sarebbe bello che la ripresa di grandi allestimenti fosse il segno che la crisi ci ha insegnato che dobbiamo puntare sulla cultura; che dobbiamo dare sostanza al nostro tempo libero, nutrire l’anima; che per attarrre turisti occorrono proposte forti…

Sarebbe bello. Intanto godiamoci questa epifania d’arte: sperando che non sia stata un’illusione.

Salgado per una nuova alleanza uomo-terra

Brasile, 2005 (© Sebastião Salgado/Amazonas Images).

Rientra nella categoria degli eventi imperdibili la straordinaria mostra Genesi di Sebastião Salgado al Museo dell’Ara Pacis di Roma (dal 15 maggio al 15 settembre 2013). La forza visiva del grande fotografo brasiliano è stata messa al servizio di un tema che mi sta molto a cuore: la salvaguardia della terra, la tutela della natura, l’equilibrio fra l’uomo e la sua casa, la necessità di immaginare un nuovo modo di stare al mondo, adottando rinnovati stili di vita…

Salgado ha lavorato per ben dieci anni al progetto Genesi che si pone, da un alto, come struggente atto d’amore per il pianeta e, dall’altro, come denuncia e allarme. L’idea originaria è semplice: mostrare quelle oasi del pianeta in cui la natura, gli animali e le popolazioni indigene si manifestano nella loro incantevole bellezza e purezza.

Ogni scatto, in un bianco e nero pieno di lirismo, è un capolavoro che testimonia che è davvero cosa buona ciò che è stato creato, come si afferma appunto nel libro Genesi della Bibbia. E insieme domanda: vogliamo custodire questo patrimonio o permettiamo all’uomo di rovinarlo?

Antony & the Johnsons, musica dal profondo

Antony Hegarty

Capita di rado di emozionarsi. Invecchiando, la scorza della nostra sensibilità si fa più spessa. Quando accade è meraviglioso, perché le emozioni sono una delle dimensioni più profonde della persona.

Mi è capitato ascoltando la musica di Antony & the Johnsons, un gruppo di New York guidato da Antony Hegarty. Tolta la classica, con la quale ultimamente ho più frequentazione, era da tempo che la musica “leggera” non toccava in me corde così intime. Li ho conosciuti grazie all’ultimo Sanremo, dove Antony ha cantato I love my sister. Qualcosa si è mosso in me, tanto che ho voluto acquistare un Cd: la scelta è caduta su I’m a bird now, che contiene tra l’altro la canzone sentita al festival.

Poco da dire: voce e note che entrano dentro, commuovono, vanno dritte in zone spesso inaccessibili del nostro cuore. Provate ad ascoltarlo: questa è musica dell’anima.

Miracolo a Le Havre, davvero

Un’illustrazione di “Miracolo a Le Havre” tratta da film.it.

Che grazia Miracolo a Le Havre, film del 2011 di Aki Kaurismäki. Per la serie “meglio tardi che mai”, l’ho visto in Dvd. E non posso fare a meno di raccomandarne la visione a chi, come me, non l’aveva ancora visto.

Tra le tante riflessioni che il film stimola, voglio solo sottolineare l’apparente e cercato contrasto fra l’ordinarietà, la normalità, l’umiltà dei protagonisti e la grandezza epica delle loro azioni. Contrasto sottolineato da una colonna sonora che ripete, rielaborati e addolciti, motivi western e “da Casablanca“, quando la vicenda, i personaggi, i paesaggi, l’ambientazione rimandano a una ordinarietà quasi banale e minimale. L’eroe protagonista, per dirne una, è un lustrascarpe. E qui sta, forse, il bellissimo messaggio del film: le grandi azioni, gli atti di eroismo e coraggio non dipendono da altri fattori che il cuore dell’uomo: sono le dimensioni del cuore, della coscienza, a fare di un uomo un eroe o una persona insignificante o cattiva.

Stupenda  asai originale la figura dell’ispettore, uomo che ha e scopre in sé un “punto sensibile”, com’egli confesserà. Tutti i personaggi hanno questa statuarietà, questa postura teatrale, questo comportamento “comico”; tutti sono così presi nel loro ruolo, forse perché in fondo sanno che la Storia sono loro a farla, a dispetto di ogni apparenza. Un film pieno di grazia.

Peppe e Toni Servillo, fratelli coltelli

Peppe e Toni Servillo in “Le voci di dentro”.

Ho avuto modo di incontrare i fratelli Servillo per un’intervista per Famiglia Cristiana. Peppe è il leader degli Avion Travel, non nuovo a incursioni nella recitazione. Toni è forse l’attore più richiesto dal cinema, ma anche un bravissimo regista teatrale, innamorato di Goldoni e De Filippo.

Al di là dei tratti più personali e famigliari dei due fratelli, per i quali rimando al mio articolo sul numero di Famiglia Cristiana ora in edicola, vorrei soffermarmi sulla potenza del testo teatrale che Toni ha scelto di portare in scena: Le voci di dentro di Eduardo De Filippo. È la storia di un uomo (Toni) che, scambiando un sogno per il vero, denuncia di omicidio una famiglia di vicini. L’emergere della verità – si tratta solo di un sogno – non porterà affatto la tranquillità, ma scatenerà una ridda incontenibile e drammatica di sospetti all’interno della famiglia ingiustamente accusata e indurrà il fratello (Peppe) a tentare di approfittarne per fare tutto suo il patrimonio famigliare.

Come dire: la corruzione, il sospetto, l’odio si annidano fin nelle relazioni più intime. C’è da sorprendersi se la società in cui viviamo è marcia fin nel profondo? Un testo scritto all’indomani della seconda guerra mondiale, ma sembra oggi.

Toni e Peppe sono bravissimi. Se potete, vedete lo spettacolo, fino a fine mese al Piccolo di Milano e poi in tournée.

Pietà non l’è morta

La foto di Paul Hansen che ha vinto il World Press Photo 2013.

Una strada stretta. Un gruppo di palestinesi, in una specie di processione, porta i cadaveri di due bambini avvolti in un telo bianco. È la foto che ha vinto il prestigioso World Press pHoto 2013, la foto dell’anno, insomma. Si è molto discusso sul fatto che questa immagine sia stata ritoccata in sede di post-produzione. Secondo i giurati del Premio, l’intervento non ha comunque alterato la fotografia né il suo messaggio.

Qui non importa questo punto. Mi colpisce invece che questa immagine sia l’ennesima Pietà, l’ultimo aggiornamento di uno dei sentimenti più nobili, struggenti e umani. Sulle infinite rivisitazioni fra arte, fotografie e cinema della Pietà delle Pietà, cioè quella di Michelangelo, ho scritto un pezzo per Vivere che riporto qui sotto.

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In occasione del restauro delle sale del Castello Sforzesco di Milano che ospiteranno in via permanente la Pietà Rondanini di Michelangelo, è stato proposto di collocarla temporaneamente nella Cappella del Carcere di San Vittore. Sono seguiti dibattiti, in cui esperti e opinione pubblica si sono divisi. Di particolare interesse si è rivelata una riflessione fra quanti erano favorevoli: il luogo che avrebbe fatto da dimora, seppur provvisoria, alla scultura, le avrebbe consentito di esprimere il significato profondo di cui è portatrice. Quale collocazione, meglio di un luogo di detenzione, espiazione della colpa, redenzione e compassione avrebbe potuto valorizzare di più il messaggio intrinseco dell’opera? Qualcuno si è spinto fino a dire che essa si sarebbe arricchita e in qualche modo “appropriata” delle sofferenze e del dolore che in quel luogo si consumano.
Può partire da questo episodio di cronaca un percorso – inevitabilmente non esauriente – che prova a raccontare come uno dei capolavori dell’arte occidentale, la Pietà di Michelangelo, si sia trasformata nell’icona stessa del sentimento che raffigura, grazie anche alle molteplici rivisitazioni di cui è stata oggetto nell’arte, nella fotografia, nel cinema. La Pietà è il primo capolavoro che ci regalò un Michelangelo Buonarroti poco più che ventenne. L’opera, alta 174 centimetri, larga 199 e profonda 69, oggi ammirabile nella Basilica di San Pietro in Roma, prese forma fra il 1497 e il 1499. L’abbiamo vista tante volte, nell’originale o in una delle sue infinite variazioni: Maria tiene in braccio il Cristo morto, una madre raccoglie in un gesto d’amore e compassione, tanto impotente quanto forte, il figlio senza vita. Il maestro tornò al soggetto negli ultimi anni di vita, lavorando fino all’estremo respiro alla già citata Pietà Rondadini, nella quale il Cristo e Maria sembrano sorreggersi a vicenda.

L’iconografia della Pietà precede e segue Michelangelo. Intorno al 1485, Niccolò dell’Arca creò un gruppo di sette statuette in terracotta policroma, che richiamava a sua volta esempi nordici e ferraresi. Il compianto sul Cristo morto è un soggetto dell’arte sacra cristiana popolare fin dal XIV secolo. Celebre quello del Botticelli (ultimi anni del XV secolo), straordinario per l’intensità drammatica quello di Giotto (inizi del XIV secolo), stupefacente quello del Beato Angelico (1436). Anticipa di qualche decennio il lavoro del Buonarroti la Pietà del Bellini, databile fra il 1465 e il 1470, in cui la Vergine sorregge un Cristo senza peso. Fra i simboli più noti del Rinascimento italiano, il Cristo morto del Mantegna — con il suo vertiginoso scorcio prospettico che costringe lo spettatore a “seguirlo” — risale al 1475-1478; il corpo abbandonato del Salvatore occupa la scena, mentre sulla sinistra, quasi come comparse che si affacciano, appaiono le figure dolenti (una costante dell’iconografia del compianto): Maria che si asciuga le lacrime con un fazzoletto, san Giovanni in lacrime con le mani giunte e, in ombra, una donna che si dispera, probabilmente Maria Maddalena. Testimonianza della collaborazione con Michelangelo è la Pietà di Sebastiano del Piombo, di un ventennio più tarda del modello. Negli anni a cavallo fra il XVI e il XVII secolo fu Annibale Carracci a misurarsi con insuperabile sensibilità con il soggetto. La Vergine Maria immaginata da Van Dyck nella sua Pietà del 1629 distoglie lo sguardo dal Figlio, per appellarsi direttamente al Padre.

Se quelle finora citate sono perlopiù opere dipinte, del linguaggio prescelto da Michelangelo, la scultura, si servì Giuseppe Sanmartino per dare vita al suo Cristo velato (1753), una delle opere più suggestive dell’arte di tutti i tempi, in cui il Cristo morto, coperto da un sudario trasparente, giace solo, senza la presenza di Maria a compiangerlo. Non possiamo qui accennare alle tante Deposizioni che ai temi della Pietà si richiamano, ma è d’obbligo citare almeno la Deposizione di Cristo sulla croce del Tintoretto del 1559-1560, con una Vergine sconvolta da un dolore insostenibile. Sbaglierebbe chi pensasse che la Pietà fosse cara solo agli antichi. In quanto simbolo universale di un sentimento fra i più alti, essa ha affascinato con eguale forza anche i moderni e i contemporanei. La versione di Eugène Delacroix racchiude in una situazione semplificata Madre e Figlio, ispirando quella successiva di Vincent Van Gogh, del 1889, in cui viene posta al centro la Madre dolorosa, con mani forti, da contadina, protese in avanti a dare cura al Figlio perduto. Inaspettato l’”omaggio” di Edward Manet, del 1864, poetico quello di Marc Chagall (Pietà rossa, del 1956).

La forza che fa della Pietà un’icona che travalica i tempi e le culture risiede nell’intuizione di esprimere la compassione, l’amore, la cura che vuole porre rimedio al male attraverso il più naturale e primordiale dei sentimenti, quello che lega una madre al figlio. Nutrita da secoli di scultura e pittura dei più grandi artisti, nemmeno la fotografia ha potuto sottrarsi alla suggestione. Significativo che uno dei documenti più importanti sia quello di Robert Hupka, il grande fotografo viennese che ebbe il privilegio di meditare in condizioni eccezionali proprio sul capolavoro di Michelangelo, trasferito a New York per l’esposizione universale nel 1964. Seguendo l’avventura americana della Pietà fin dall’allestimento, Hupka scattò centinaia di fotografie: «Una volta cominciato non riuscii più a smettere, sino a quando la nave che riportava la statua in Italia sparì dalla mia vista. Ho scattato migliaia di fotografie… è stata un’esperienza che non si può esprimere a parole, l’esperienza di essere davanti al mistero della vera grandezza».

Sedici anni dopo che l’enclave protetta dall’Onu Srebrenica venne occupata da truppe serbo-bosniache, con l’obiettivo di attuare la pulizia etnica, Alfons Rodriguez tornò a visitare quei luoghi: «Mi sono reso conto che si continua a vivere un dolore immenso… Ci furono quasi 15 mila morti». La testimonianza ha trovato voce in Pianto per il genocidio di Srebrenica: filari di bare nere tutte identiche campeggiano in un luogo asettico, spoglio di ogni simbolo; tre ragazze e un uomo sono in piedi, una donna è chinata sul feretro che custodisce quel che resta di suo figlio; il fazzoletto incornicia un volto dolce e disperato, nel quale non è così difficile rivedere le espressioni della Vergine Maria. La Pietà, si diceva, è icona che tocca il cuore dell’uomo al di là di ogni differenza. Non sorprende che sia stata selezionata come foto dell’anno dal World Press Photo 2011 quella che ritrae una donna yemenita, avvolta nel velo completo niqab, che tiene fra le braccia il figlio ferito durante una protesta contro il presidente Saleh. «Si tratta di una foto profondamente iconica», si legge nella motivazione al premio assegnato a Samuel Aranda, «in cui è preponderante l’elemento della sofferenza umana e allo stesso tempo della compassione». La “pietà musulmana” è stata definita l’immagine.

Infine qualche rapido accenno a come anche il cinema ha assimilato questa icona universale. Se Pasolini volle citare il Cristo morto di Mantegna nel suo “Mamma Roma” del 1962, l’anno scorso il regista Kim Ki-duk ha titolato Pietà il suo film, Leone d’oro a Venezia, nella cui locandina par di rivedere Maria e il Figlio nell’estremo gesto di tenerezza. è la storia di uno strozzino violento e crudele, al quale si presenta un giorno una donna che dice di essere sua madre, gli chiede perdono per non averlo amato abbastanza e lo porta sulla via della redenzione. Ultima rivisitazione in chiave contemporanea di una storia senza tempo di dolore, compassione, rinascita.

Concerto per traffico, violino e orchestra

Metti un giorno in cui, a causa delle neve, per andare al lavoro devi lasciare a casa la moto e prendere la macchina. Ti immergi nel traffico, noioso, grigio, inutile. Cerchi una via d’uscita, materiale e metaforica. Vedi il lettore Cd e pensi che potrebbe essere quella la tua ancora di salvezza.

Partono le note di Meditazione in preghiera di Giovan Battista Viotti. Già, chi è? Un grande e affascinante personaggio della nostra storia musicale (1755-1824), genio del violino, ispirato compositore  che girò l’Europa e si trovò costretto a fare anche il commerciante di vino, nelle alterne vicende della vita. A far risuonare il “suo” violino è un maestro come Guido Rimonda, magistralmente accompagnato dall’Orchestra Camerata ducale.

Basta poco, e le strade, le macchine, il fumo che esce dalle marmitte a inquinare il mondo scompaiono. Sei in un’altra dimensione, quella di Viotti, quella della sua Meditazione, quella della musica, dello spirito. Quasi ti dispiace, adesso, quando il traffico corre via veloce. Vivi come una benedizione l’altrimenti odiato semaforo rosso: secondi preziosi per leggere il libretto e sapere di più di questo genio, capace di creare melodie così soavi.

Dopo Meditazione in preghiera, i Concerti per violino 22 e 24, bellissimi. E… Accidenti, sono già arrivato al lavoro!

(Violin Concertos, Decca).

Pi, Ulisse, Giobbe e l’istinto di sopravvivenza

«Dio, ho perso la mia famiglia, ho perso tutto. Che cosa vuoi da me?». «Tu sia lodato per ogni cosa». Sono alcune delle frasi che Pi grida a Dio, mentre vaga con la sua barca in mezzo all’oceano. Ho visto il film di Ang Lee al cinema, tratto dal romanzo di Yann Martel, poco dopo che aveva fatto incetta di nomination agli Oscar, secondo solo a Lincoln di Steven Spielberg.

È un film che non lascia indifferente lo spettatore. Anziutto per la sua straordinaria potenza visiva (da sottolineare il ruolo di un italiano, Claudio Miranda, alla fotografia): sappiamo che la capacità visionaria di Ang Lee è stupefacente. Alcune sequenze sono fra le più emozionanti che io abbia mai visto al cinema.

Mi ha interessato molto la dimensione filosofica del film. Chi è Pi? Un moderno Ulisse, protagonista di un viaggio che sembra infinito, come le cose che gli insegna? Oppure, meglio, un moderno Giobbe, la cui fede viene provata a livelli sempre più profondi? Pi è un ragazzo aperto alle religioni, da tutte accoglie qualcosa, in un personalissimo sincretismo; a somministrargli lalezione del razionalismo è il padre; la letteratura è l’altra grande maestra della sua vita…

Con questo bagaglio, il ragazzo si troverà ad affrontare una prova quasi insostenibile: quella che pone l’uomo di fronte all’istinto di sporavvivenza. Che ne è, allora, dei principi morali, delle leggi divine, della fede?

Un film che merita davvero di essere visto.

La compagnia Colla fa sognare con Alì Baba

Ieri sono stato a vedere Alì Baba al Piccolo Teatro di Milano con Lucia. Che bello quando il capo dei ladroni ha detto “Apriti Sesamo” e la roccia si è aperta! I ladroni avevano portato tutti i tesori che avevano rubato lì dentro. Anche Alì Baba entra nella grotta dicendo “Apriti Sesamo” . Prende un po’ di soldi e una collana per sua moglie e li porta a casa. Ma il capo dei ladroni vuole riprendersi il suo tesoro e si fa invitare a casa di Alì Baba. Per fortuna lo salva la serva Morgana, bruciando i ladroni con l’olio bollente. Alla fine chiamano le guardie che portano in prigione il capo dei ladroni e Alì Baba e la sua famiglia fanno festa.

Mi è piaciuto tanto quando dicono “Apriti Sesamo”. Le marionette erano fatte molto bene. Il palazzo di Alì Baba era molto bello, gli animali anche. Questo spettacolo mi ha colpito più degli altri perché usavano le marionette fatte giuste. Mi piacerebbe andare ancora a vederle.

(Recensione di mio figlio Pietro, 7 anni, allo spettacolo Alì Baba della storica compania Colla, visto ieri al Piccolo di Milano, con la famiglia e gli amici Lucia, Lorenzo e Alice. Concordo con Pietro su tutto: portate i vostri bambini).